Orquesta Sinfónica retransmitirá concierto “Calibrando la Sala”

La OSX ofrece para esta noche de miércoles 6 de octubre, a las 20:30 horas, a través de sus plataformas digitales en Facebook y YouTube (@OSXUV), concierto grabado en noviembre de 2015, lleno de anécdotas acústicas y su explicación. Se contará con la dirección de su entonces director titular, el maestro Lanfranco Marcelletti Jr., encargado de llevar a la orquesta y la música siempre más allá de lo cotidiano.

Fue en el año 2015, precisamente cuando la sala de conciertos de Tlaqná, Centro Cultural, acababa de ser inaugurada para convertirse en la sede de la Orquesta Sinfónica de Xalapa (OSX) de la Universidad Veracruzana (UV), lo que permitió la exploración de los miles de combinaciones y condiciones acústicas para una mejor audición del conjunto sinfónico en ensambles. Este concierto, originalmente presentado los días 19 y 20 de noviembre de 2015, cuenta también con la presencia de Larry Kirkergaarg, acustólogo encargado del proceso.

Calibrando la sala



Sobre este concierto, la oficina de Relaciones Públicas de la Orquesta Sinfónica de Xalapa nos informa que cuando “Mascagni ya había hecho producir una opereta en Cremona y había dirigido la ópera durante varias temporadas cuando decidió entrar en un concurso en 1888 para nuevas óperas de un acto. Había visto la exitosa obra de Giovanni Verga, “Cavalleria rusticana”, poco después de su estreno en 1884 y Mascagni encargó un libreto basado en la obra. Esto se completó en diciembre de 1888 y seis meses después, Mascagni terminó su ópera. Una de las 73 obras presentadas, ganó el concurso y fue puesta en escena por primera vez en Roma en mayo de 1890”.

“Esta fue quizá la primera ópera que se inspiró en el movimiento literario del verismo, del cual Verga fue una figura importante. La ópera del verismo puso énfasis en la vida real, las características regionales y un rápido ritmo narrativo. “Cavalleria rusticana” tiene lugar el domingo de Pascua en un pueblo siciliano. Turiddu, un joven campesino, ha seducido y luego abandonado a Santuzza en favor de Lola, que está casada con Alfio. Santuzza le ruega a Turiddu que vuelva con ella; cuando él la rechaza, ella le cuenta a Alfio lo de Turiddu y Lola. En este punto la plaza del pueblo está vacía y el drama se traslada a la orquesta con este intermezzo, tocado con el telón levantado”.

“La melodía está basada en un himno que se escuchó antes en la iglesia del pueblo y su ubicación sugiere tanto la paz de la vida en el campo como los intensos sentimientos individuales de los directores. Cierra la ceremonia de Pascua y presagia la tragedia que se avecina. Turiddu y Lola salen de la iglesia y entran en la posada de su madre, donde Alfio le reta. Después de pedirle a su madre que se ocupe de Santuzza, Turiddu sale del escenario para encontrarse con Alfio, quien lo mata”.



Enrique Hagmaier, del departamento de Relaciones Públicas de la OSX, menciona que sobre la obra “escrita en abril de 1779, hacia el final de ese periodo Mozart se refirió a su "servicio degradante" en la corte de Jerónimo Colloredo, Príncipe-Arzobispo de Salzburgo. Se asume generalmente que la Sinfonía en Sol Mayor, esta corta y festiva obra, fue pensada como la obertura de una obra dramática. La obra se adhiere a la disposición común de la obertura de la ópera italiana de la época, un movimiento único y tripartito (rápido-lento-rápido). Se abre con fuertes acordes repetidos para toda la orquesta con una suave respuesta de las cuerdas. Después de un tema juguetón y contrastado, en el punto en el que normalmente escucharíamos una repetición del tema de apertura, se nos lleva directamente al movimiento lento con su picante coloración de viento-madera. El diminuto final nos devuelve los temas del primer movimiento pero en orden inverso”.

“El tema ‘juguetón’ se indica primero, seguido por la figura de apertura, que concluye la obra en un vigoroso estilo de fanfarria. Después de una obra inmensa, en cuanto a calidad y nobleza de ideas, Bach coronó su vida con el mensaje incompleto de su importante obra didáctica ‘El arte de la fuga’, producción que sobrecoge a los técnicos por su inmensa trascendencia. Poco antes había compuesto para Federico XI su ‘Ofrenda Musical’. No obstante, la primera sobrepasa en belleza a la obra anterior. Al referirse a esta producción, se habla de rigor matemático y de abstracción metafísica. Pero aclarado ya el horizonte lleno de brumas que desdibujaba y oscurecía la obra inmortal del autor de las ‘Pasiones’, esta obra se nos aparece clara, refulgente y centelleante de viveza y espiritualidad”.

“En los tiempos de Johann Sebastian Bach se juzgaba ‘El arte de la fuga, como una producción tan docta y complicada que solamente los elegidos eran capaces de comprender y dado su carácter se la motejaba de música para la vista y no para el oído. Nada más lejos de la verdad. Bach se valió de una técnica perfecta y profunda para explicar ideas diáfanas y sublimes. A medida que Bach elaboraba este monumento musical, se grababan las fugas siempre bajo su dirección”.



“Los achaques físicos, la gravedad de sus males, se agudizaron de tal manera que ya completamente ciego y atacado de parálisis tuvo que abandonar esta obra. Murió sin verla acabada. No dejó tampoco ninguna nota aclaratoria a la presentación de estas ‘fugas’, algunas de ellas muy difíciles de interpretar. Las escribió en cuatro claves diferentes. Ello hizo suponer a los musicógrafos de entonces que se trataba de una producción puramente teórica y pusieron sus manos pecadoras en esta partitura sublime, escrita originariamente para clave. Ayudó a esa profanación el hecho de que la última fuga de la obra apareciera sin acabar. Fallecido el cantor, su familia añadió al original de Bach, sin causa que lo justificase, todo lo que el gran maestro habla compuesto en sus últimos meses de vida”.

“Los compositores de nuestro propio siglo no han estado tan en sintonía con la idea del nacionalismo musical como lo estuvieron sus predecesores del siglo XIX, un hecho que hizo que los esfuerzos distintivos de Aarón Copland (1900-1990) en su favor fueran particularmente notables. Insatisfecho con las relaciones entre el público amante de la música y el compositor vivo, que a su juicio se habían distanciado cada vez más, Copland se decidió a comunicarse con un público más amplio, para 'ver si podía decir lo que tenía que decir en los términos más sencillos posibles'”.

“Los resultados fueron nada menos que sorprendentes y en casi nada de tiempo, Copland había desarrollado un estilo que, en su incorporación de diversos materiales populares, era tan americano como las llanuras y las montañas y las praderas, los vaqueros y los montañeses pero en su informada habilidad era compositivamente sofisticado y artísticamente de buen gusto. Copland se convirtió en el tipo más evidente de fervor patriótico en ‘Fanfarria por el Hombre Común’”.



“Junto con Brahms y Tchaikovsky, Dvorák ayudaría a revivir la forma de la serenata, una composición típicamente apacible y alegre que acompañaba una ocasión o función particular, o hecha en honor de alguien. Dvorák compuso dos serenatas, una para cuerdas (1875) y otra para vientos y ambas son ejemplos de su notable precoz madurez. Escrita durante un periodo de su vida particularmente prolífico, la ‘Serenata para vientos’ (apoyados por violonchelo y contrabajo) fue compuesta en sólo dos semanas en enero de 1878 y honra al querido espíritu de Mozart aunque teniendo el sabor distintivo del nacionalismo checo y la música folklórica”.

Asimismo, detalla que “en la tradición del siglo XVIII, las serenatas se interpretaban en escenarios informales, a menudo al aire libre, como música de fondo para reuniones sociales. Pero Dvorák quería que su obra fuera escuchada en el contexto de un concierto, donde la gente escuchaba, no hablaba mientras sonaba la música. Dicho esto, la música es de hecho encantadora y genial con distintos estados de ánimo articulados en sus cuatro movimientos”.

“En los años 30, el compositor de vanguardia John Cage se acercó a Chávez y le pidió que compusiera una pieza para el conjunto de percusión con el que Cage estaba de gira por la Costa Oeste. Chávez accedió, desafortunadamente, el conjunto de Cage se vio imposibilitado de tocar la sección de apertura, que requiere largos y sostenidos redobles de tambor por parte de todos los músicos y por lo tanto nunca interpretó la pieza. No fue hasta 1948 que la ‘Toccata’ se estrenó, con miembros de la Orquesta Sinfónica de México (de la que Chávez fue director fundador) como solistas. Desde entonces, la pieza se ha convertido en un elemento básico del repertorio de percusión, interpretado regularmente en programas de conjuntos de percusión colegiales (con la sección de rollo intacta)”.



“Tradicionalmente, una toccata (derivada de la palabra italiana tocarre, o "tocar") era una pieza virtuosa para un teclado o un instrumento pulsado, diseñada para mostrar la facilidad del intérprete. En palabras del propio Chávez, la ‘Toccata’ "fue escrita como un experimento con instrumentos de percusión ortodoxos" y constituye un ejemplo perdurable de escritura melódica y temática para una familia de instrumentos aparentemente sin afinación”.

“La Guía Orquestal para Jóvenes fue concebida por Britten como una partitura para un documental de 1946, Instruments of the Orchestra y fue presentada en ese medio en Londres. Pronto fue apropiado para la sala de conciertos por orquestas sinfónicas para su interpretación, a menudo con comentarios hablados. De hecho, la composición es de una calidad tan ejemplar que ha tomado un lugar firme en el repertorio puramente instrumental y a menudo se interpreta sin narración”.

“A la luz del esplendor de la orquestación en Guía Orquestal, vale la pena mencionar que Britten no tenía mucha experiencia en escribir para orquesta sinfónica completa antes de ella. Claramente, su dominio de la orquesta sinfónica fue sólo una de las facetas que hicieron de Britten uno de los grandes compositores del siglo XX”.



“Por último, Bolero surgió de un proyecto abortivo para orquestar piezas de la Iberia del compositor español Isaac Albéniz para crear un ballet, Fandango, para la bailarina Ida Rubinstein. Las piezas de Albéniz no estaban disponibles porque otro compositor ya había asegurado los derechos para orquestarlas y como Ravel sólo había planeado orquestarlas, realmente no había tiempo para que él compusiera algo nuevo. Durante sus vacaciones de verano en San Juan de Luz, Ravel tuvo la ingeniosa y simple idea del Bolero. Creó un tema, introducido por la flauta sobre un simple patrón rítmico y lo repitió una y otra vez, en diferentes - y brillantes - combinaciones instrumentales, aumentando gradualmente el nivel dinámico de pianissimo a fortissimo en el lapso de 15 minutos de la obra”.

La OSX recuerda a su público que espera verlo pronto en la sala de conciertos de Tlaqná, Centro Cultural, por lo que es importante que se mantengan con protección.